La abstracción en el mundo del arte.

La Abstracción.

Mucha gente no es capaz de distinguir entre figuración y abstracción cuando son conceptos completamente distintos y es muy fácil saber cuando una obra es abstracta y cuando una obra es figurativa precisamente la abstracción es aquello que no tiene nada que ver con la realidad imágenes que no nos recuerden a nada que exista en la realidad.

Por ejemplo si yo tomo la imagen de un árbol y la difumina le pongo colores distintos o lo pongo más grande, más pequeño bueno eso no es abstracción eso es un árbol distorsionado, es decir es figurativo es figuración. Sin embargo por ejemplo imágenes que no nos remitan a nada real que no tengan absolutamente ninguna referencia en la realidad pues eso sí­ se puede considerar abstracción.

Dentro del campo de la abstracción existen varios varias vertientes:

  • La abstracción geométrica.
  • El in-formalismo.
  • La abstracción expresionista.

Pero al final todo es lo mismo todos son imágenes y obras que no tienen un referente que conocemos que está a nuestro alrededor lo que hay en la vida diaria.



No puede considerarse abstracción imágenes que tienen que ver por ejemplo con los sueños, si yo dibujo o pinto un unicornio, evidentemente eso no lo hemos visto nunca en la realidad pero no es algo abstracto es una imagen que en cierto modo está basada en dos o tres figuras que existen en la realidad que tiene mucho que ver con la fantasía, con la imaginación pero que no es abstracción.
La abstracción es algo que cambió radicalmente el mundo de la pintura, el mundo del arte porque antes de la abstracción no se había dado nunca el caso de que un artista dibujara, pintara o mostrara imágenes que no fueran figurativas; desde las cavernas cuando se dibujaban los bisontes cuando se plasmaba la mano y se ponían los cinco dedos para que el artista dejara su huella sobre la piedra y realmente pasando por todas las etapas de la pintura y de la escultura y del arte, todo arte ha sido figurativo excepto en el siglo XX que fue cuando se inventa y se plantea que la pintura tiene que ser otra cosa.

 


Algunos sostienen que la abstracción la inventó Kandinsky con su famosa acuarela, esa acuarela abstracta de la cual hay bastantes historias una de ellas es que no la pintó como una coral abstracta pero le dio la vuelta e í­deo esa manera nueva de pintar o de entender el arte; pero hay muchas otras teorí­as una de ellas dice que la abstracción como tal empezó en 1910 o un poquito antes y vino a través de una exposición de mármoles veteados que se hizo en Francia.

Las cosas más grandes de este mundo, son definidas por sus más grandes detalles.


 

El arte moderno esta sobrevalorado

El hamparte es una palabra que se usa para definir aquello que si bien es arte no es arte de buena calidad o es un tipo de arte que podemos hacer cualquiera, pero que hoy en dí­a se esta vendiendo a precios carísimos; como por ejemplo en el caso de del famoso vaso de agua medio lleno que querían vender por más de 20 mil euros.

Que pasa con esto? que es un tipo de obra que no tiene ningún interés no es difícil de hacer, la obra en si no contiene ningún mensaje artístico y además son obras que están sustentadas por un texto larguísimo que justifica que es una obra de arte.

Hamparte se puede contextualizar como un tipo de arte es decir no es un conjunto fuera del arte sino más bien un subconjunto quizás podríamos catalogar como arte menor, y además hamparte es algo que no resulta demasiado difícil de hacer y que no contiene un mensaje artístico.

El arte contemporáneo es inexpresivo simplista desalentador
o peor aún nos lleva a decir que el arte ha muerto.

Podemos ser artistas todos somos artistas de hecho todos podemos crear mejor o peor pero podemos crear y si todos somos artistas y todo lo que elige el artista es arte nada es arte por eso es tan necesario el concepto de hamparte y por eso también es necesario el concepto de trabajo.

En ese sentido podemos citar una frase de Miguel ángel que decía lo siguiente: “Si la gente supiera lo duro que tuve que trabajar para ganar mi maestría no parecería a todo lo que hago tan maravilloso” tomando como referencia esto podríamos decir que el hamparte por el contrario quiere es lucir maravilloso haciendo el mínimo esfuerzo.

Lo que pretendo es dar a conocer este termino para que las personas sepan definir el hamparte como una rama del arte de gente sin talento, como un tipo de obra que no tiene valor económico y como algo que podemos hacer en nuestras casas o incluso como juegos formales pero que no se pueden poner al nivel de las grandes obras de arte.

Para terminar podemos tener un pensamiento más libre así­ sabremos que es lo que nos gusta de arte y lo que no y también sabremos lo que tiene valor y lo que está sobrevalorado.

El hombre que revoluciono el arte: Picasso


Pablo Ruiz Picasso murió hace 45 años este es un tributo a su legado y su contribución a la historia del arte, puede que el hombre haya muerto pero el genio sigue vivo.

Picasso nació en Málaga el 25 de octubre de 1881 con tan sólo 15 años  había vivido en varios puntos de España y se había empapado de las influencias de cada lugar, en 1901 la muerte de su amigo Carlos Casagemas sumió al joven pintor en una etapa de profunda tristeza con 23 años en 1904 Picasso se instaló en parís en Montmartre junto a otros artistas bohemios; el ambiente de este círculo influyó mucho en la obra del genio,  el predominio de los colores pasteles la estética y los elementos de circo creaban una sensación de nostalgia y calidez este período rosa duró hasta 1907.

Después de una etapa con grandes influencias africanas la pintura de Picasso fue evolucionando hacia el cubismo el artista buscaba la pureza en sus pinturas por ello en 1909 comenzó a retratar la naturaleza mediante formas geométricas, en esta época combina la simplicidad y la expresividad inspirando a artistas de todo el mundo y rompiendo con los cánones del arte establecidos a principios de siglo.

El surrealismo del periodo de entreguerras auguraba su etapa del neo expresionismo la guerra civil española y la posterior segunda guerra mundial afectaron en gran medida al pintor, esta muestra el dolor en sus pinturas usando sobre todo colores oscuros y elementos deformes El Guernica pertenece a este período.



Tras estos años Picasso se instala en 1947 en la costa azul,  ahí deja un poco de lado la pintura y se dedica a la cerámica y la escultura, en este momento de su vida su estilo se ve influenciado por el nacimiento de sus dos hijos también recupera los antiguos tópicos del circo y las corridas de toros que ocupan más de sus obras dentro de su producción; en sus últimos años Picasso se centró en el estudio de obras  de grandes artistas como Velázquez, de la Gramenet dejándonos sus reinterpretaciones de pinturas como Las Meninas, Mujeres de Argel y Merienda en el Campo.

Picasso murió el 8 de abril de 1973 en Francia dejando innumerables obras maestras y una huella imborrable en la historia del arte por eso comente al principio:

Puede que el hombre haya muerto, pero el genio sigue vivo.


Fuentes de imágenes: 1234


 

La historia durero y el grabado del rinoceronte


Les quiero contar la increíble y fantástica aventura de Alberto Durero y su rinoceronte me refiero al dibujo del rinoceronte de Durero quizás el grabado más famoso en la historia del arte y que tiene el mérito de haber sido dibujado cuando el artista nunca en su vida había visto un rinoceronte.


Alberto Durero fue uno de los artistas más importantes e influyentes del renacimiento en Alemania conocido sobre todo por sus detallados dibujos y los cientos y cientos de grabados que trazó, hizo muchísimos algunos de ellos son tan famosos que estoy seguro que todos al menos una vez hemos visto algún grabado de durero quizás sin saberlo.

El grabado fue toda una revolución para el arte de su época pues le permitió a pintores y dibujantes producir más rápido y delegar la parte técnica de sus trabajos a otras personas además así podían crear cientos de copias y distribuirlas por su cuenta sin esperar grandes encargos de gente rica e importante.

Hizo muchos dibujos y grabados de todo tipo especialmente los religiosos que se vendían muy bien pero personalmente sus favoritos serán los de animales; morsas, leones, escarabajos, aves de todo tipo, liebres, cangrejos, perros, la trompa de un buey. Durero creía ver en los animales las formas más extrañas y cautivadoras de la naturaleza y sin duda las más divertidas y a la vez difíciles de dibujar

Para su fascinación por ahí de 1515 llegó a las costas europeas una criatura fantástica de tierras lejanas, con su poderoso cuernos su cuerpo acorazado y sus gigantescas uñas. La increíble y larga odisea del rinoceronte durante el viaje fue más o menos así; tiempos coloniales el gobernador de la india portuguesa le pidió un favor al sultán para poder construir un fuerte en tus tierras a lo que el sultán responde que no pero te regalare estas joyas preciosas, flores de loto y especias y también este rinoceronte

Tras un largo viaje el rinoceronte por fin llegó a Portugal esto causó gran conmoción y asombro desde los tiempos del imperio romano que no se veía un rinoceronte en Europa y había pasado a convertirse en algo así como una criatura mítica temible y asombrosa y niñas y niños, viejos, reyes, embajadores, todos querían conocer al animal.

Durero le habría encantado estar por allá, pero estaba ocupado con mucho trabajo en su taller del Núremberg, por toda Europa circulaban historias cuentos fantásticos hasta poemas sobre el rinoceronte solamente hacía falta una buena y detallada imagen del animal para toda la gente que jamás tendría la oportunidad de conocerlo. Lo malo es que los dibujantes que habían podido estar frente al rinoceronte no eran precisamente los mejores.

Así que durero con su fascinación por los animales se encomendó la tarea de remediar este asunto bueno la verdad es que también le sacó provecho a la situación pues vieron está una fantástica oportunidad para que su trabajo se difundiera por toda Europa y también para ganar unas cuantas monedas, así armado de una descripción general que le había llegado  desde Lisboa junto a un boceto muy básico se dio a la tarea de dibujar al fascinante rinoceronte lo que durero hizo para dibujar algo que nunca había visto fue relacionar las características que leía con las de otros  animales y cosas que le fueran conocidas para imaginar un boceto a partir de esa mezcla.

El mismo da pistas sobre el proceso en el texto que acompaña el grabado “tiene el color de una tortuga moteada y es grande como un elefante pero con patas más cortas entonces éstas deben tener fuertes pezuñas para aguantar su peso y dicen que todos los otros animales le temen y una poderosa lanza le puede hacer daño entonces debe tener una coraza tan resistencia como la de una armadura finalmente un puntiagudo cuerno en la nariz parecido al de un unicornio pero seguramente mucho más fuerte y temible”

Durero le dio rienda suelta a su imaginación y agrego varias características y detalles como esa coraza que de verdad asemeja a la de una armadura de hierro o ese cuernito sobre la base del cuerpo se le pudo criticar que no correspondiera totalmente con la realidad, pero nadie pudo negar que se trataba de un gran dibujo creado prácticamente a partir de la nada.

Rápidamente el grabado circuló por toda Europa y se reprodujeron miles y miles de copias incluso fue usado en muchos libros de biología hasta el siglo XVIII todos aquellos que nunca conocerían al cautivador animal tendrían la oportunidad de imaginarlo gracias al grabado.

Así los dos el rinoceronte y durero pasaron juntos a la inmortalidad de la historia, si lo piensan detenidamente esta historia nos habla de una época en la que el mundo cambiaba rápidamente donde las distancias geográficas y entre las personas se comenzaban a reducir y donde las imágenes jugaron un papel muy importante para que la gente imaginará y conociera lugares, criaturas e historias de otros lugares lejanos.

En cuanto a Durero continuaría con su trabajo que lo convertiría en uno de los artistas más importantes del renacimiento y si se preguntan qué ocurrió con el rinoceronte, lastimosamente no tuvo un final feliz el rey portugués decidió enviárselo como regalo al papá Leo X después de cruzar buena parte del mediterráneo el barco donde viajaba fue atacado por una tormenta que hundió la nave el rinoceronte iba encadenado así que irremediablemente murió ahogado.

Al menos el recuerdo del rinoceronte siempre lo tendremos en el famoso grabado de Durero


Fuente imágenes: 123


 

El gran Velázquez y su emblemática Meninas

Las meninas es uno de los cuadros más famosos de la historia del arte; así como quien lo pintó Diego Velázquez uno de los pintores españoles más importantes, enigmas como el del espejo o el del artista y el cuadro oculto siguen aún hoy en día fascinando a los investigadores y llevan a millones de personas cada año al museo del prado. Si no conocías de esta obra o si la habías visto pero quieres saber más sobre ella hoy hare una descripción y análisis de una posible explicación de las meninas de Velázquez.

Las meninas de Diego Rodríguez de silva y Velázquez es un cuadro enorme de 3.18 metros de alto por 2.76 metros de ancho que fue pintado en el año 1656, no tuvo siempre el mismo título sino que a lo largo del tiempo  éste fue cambiando, la primera vez que se lo menciona tiene el título de retrato de la señora emperatriz después en el siglo siguiente aparece catalogado como la familia del señor rey Felipe IV y es recién en 1843 cuando se lo menciona como las meninas en el catálogo del museo del prado.


La palabra meninas viene del portugués y es una forma de decir pequeñas damas de honor se refiere a las jóvenes doncellas que servían a las infantas, la primera vez que miramos la obra vemos una escena cotidiana e íntima pero dentro de una sala del palacio a esto le podemos agregar luego que también es un retrato colectivo ya que se pueden identificar a casi todos los  personajes del cuadro, además es un autorretrato puesto que el personaje que está pintando el cuadro dentro del cuadro es el propio Velázquez que se incluyó dentro de la escena.

No es fácil clasificar a las meninas, Diego Velázquez pertenece al siglo de oro español un periodo donde las artes se encontraban en su máximo esplendor a pesar de que el enorme imperio estaba en decadencia durante el gobierno de los Austrias menores y si bien esta obra no es sobrecargada presenta un espectacular manejo de la luz mediante el claroscuro y la utilización de la perspectiva aérea que le da sensación de profundidad, además los personajes están tratados con muchísimo detalle y la escena destaca por la teatralidad, todas características de la pintura barroca, Velázquez logró congelar un instante y da la impresión de que nosotros lo interrumpimos antes de que todos vuelvan a moverse.

 


Personajes:

  • La protagonista: es la infanta Margarita Teresa de Austria una de las hijas del rey ella se encuentra en el centro de toda la composición la luz la ilumina especialmente y su vestido es el más bello.
  • Las dos meninas: son Isabel de Velasco que es la que está realizando una reverencia y María Agustina Sarmiento la que le está sirviendo de beber.
  • El perro y los enanos: El perro mastín en el suelo, al aldo de este se encuentra el primer enano Nicolasito Pertusato que está a punto de molestar al mastín. La segunda de las enanas se le identifica como Maribárbola
  • La encargada de cuidar las damas: Marcela de Ulloa
  • El guardián: con pocos trazos en su rostro que es imposible de identificar.
  • Aposentador de la reina: José Nieto al cual no sabremos si se está yendo o acaba de abrir la puerta para entrar.
  • Los reyes: reflejados en el espejo.

Dos cosas merecen una mención especial; lo primero es las miradas que pintó Diego Velázquez, es muy poderoso como varios de los personajes clavan sus ojos en los nuestros incluyéndonos dentro del mundo del cuadro y en segundo lugar relacionado con la explicación de las meninas que vamos construyendo hay que mencionar el estatus de todos estos personajes, eran miembros destacados de la corte con la propia princesa y además se le sumarán dos personajes ocultos pero para verlos debemos explicar primero la habitación que se encuentra en el fondo.

Empecemos por la puerta que se abre ésta funciona como punto de fuga y es una de las tres fuentes de luz de las meninas de Velázquez las otras dos son las ventanas que se encuentran en la pared de nuestra derecha, si prestamos atención vemos que estas paredes están decoradas con otros cuadros pero sólo dos pinturas las del fondo son copias identificables una apolo vencedor de pan de jordaens y la otra es Minerva y Aracne de Rubens pintor con el que Velásquez tenía mucha relación y que lo había influenciado mucho.

Lo que nos queda de la habitación es uno de los aspectos más interesantes de la obra; el espejo entre el pintor y la puerta abierta si prestamos atención vemos un espejo donde dos figuras se reflejan y son claramente identificables como el rey y la reina de España Felipe IV y Mariana de Austria; aunque se especula de dónde proviene esta imagen reflejada algunos dicen que del lienzo de Velázquez, pero generalmente se acepta que refleja al frente es decir que en el momento que transcurre el cuadro la pareja real se encontraba delante de la escena la historia dentro de la obra cobra sentido entonces la infanta con algunos miembros de su séquito estarían volteándose para ver hacia adelante probablemente por la llegada de la pareja real.

Por último, nos queda a tratar entonces es la relación del pintor con su cuadro dentro del cuadro, el Velázquez que vemos ahí dentro y el lienzo que está pintando y que deliberadamente no se esconde poniéndolo de espaldas son el núcleo del significado de la obra. La presencia de ese caballete convierte a la sala en el taller de Velázquez, aunque fuera momentáneamente lejos del taller cotidiano que estaba a unos metros, entonces el autor estaría mostrando a estos personajes de la corte y de la realeza tan importantes en la España absolutista del siglo XVII como visitantes que fueron a la habitación del pintor para verlo trabajar.


Los pintores de aquella época tenían ese deseo de no ser subestimados y de que se los valorará verdaderamente, esta interpretación se da con mirar a diego Velázquez y la forma en que decidió incluirse en el cuadro y pintarse a sí mismo, aunque la paleta y el pincel están en sus manos y lo podemos imaginar en el día a día de su taller no es difícil pensar que esas no debían ser las ropas que usaría seguramente tendría algún tipo de delantal, pero sin embargo Velásquez decidió pensarse a sí mismo como un miembro de la corte con ropajes muy finos, este cuadro lo terminó cuatro años antes de su muerte y cinco años después de que le concedieran el título de aposentador mayor del rey, uno de los cargos más importantes de la corte y que le daba derecho a tener la llave maestra de los cuartos del palacio representaba el punto más alto en la carrera social de Velázquez que venía realizando en paralelo a su carrera como pintor.


La última interrogante que es la gran pregunta y la que se hacen todos los que ven el cuadro a lo largo de la historia que está pintando Velázquez; para algunos debería estar trabajando en un retrato de los reyes, para otros podría estar retratando a la infanta y su séquito sin embargo la versión más curiosa y difundida es que está pintando las meninas; es decir está pintando la misma escena en que nosotros lo vemos pintar todo formaría entonces una gran metáfora del arte de la pintura, lo mágico de este cuadro es que jamás podremos saberlo, Velázquez a propósito escondió el contenido de ese lienzo se guardó para él mismo ese cuadro.

Sin duda Velázquez un artista cuya obra es irrepetible y única que dejo huella de la capacidad creadora que poseía.


Fuentes de imágenes: 1234 –  56

Una obra iconica de la historia del arte “La Noche Estrellada”

La Noche Estrellada.

Sin duda una de las pinturas más famosas de la historia del arte, ha logrado cautivar a millones de personas por muchas razones ya sea por su temática sus colores esa luna resplandeciente o ese cielo arremolinado e hipnótico.

¿Qué sabemos de esta pintura?

Quizás sabemos que fue pintada por Van Gogh, pero más allá de eso no mucho más, así que hoy compartiré un poco la historia y creación de esta obra.

Su autor:

Vincent Willem van Gogh.

No necesita gran presentación, uno de los artistas más influyentes de finales del siglo XIX nacido en el sur de Holanda en 1853 Van Gogh pasó buena parte de su vida intentando ser pastor en la iglesia y no sería hasta los 27 años cuando tomaría los pinceles y aprendería a pintar, y fue en la pintura donde volcó de lleno su pasión e intereses.

Desde ese momento dedicación casi exclusiva y apasionada en ello, sus periodos de trabajo eran tan intensos que pintaba casi un cuadro diario. De aquí provienen todas las fascinantes pinturas y trabajos por los que lo conocemos. Aunque la noche estrellada no sería precisamente el producto de uno de los periodos más felices de su vida.

Van Gogh sufría de ataques de epilepsia y de momentos de intensa depresión, debemos decir que para su ánimo tampoco ayudaba mucho que su trabajo pasara inadvertido y casi nadie mostrara interés en sus obras. Vincent dependía en gran medida de su hermano Theo con quien siempre tuvo una muy cercana relación.

Fue en uno de estos periodos de fuerte depresión y euforia mientras vivía en la ciudad francesa de Arlés junto al también pintor Paul Gauguin donde se dio el famoso episodio en el que con una navaja Vincent cortó su oreja; unos dicen que fue la oreja completa otros que solo el lóbulo, las versiones difieren y no se sabe bien a ciencia cierta.

Lo cierto es que tras este episodio y consciente de su frágil estado mental Van Gogh decidió internarse voluntariamente en el asilo de San Pablo, en el poblado francés de Saint-Remy. La estadía en San Pablo no sería un mal periodo para Van Gogh, a pesar de los continuos ataques epilépticos de los que padecía ahí pudo encontrar cierta paz y tranquilidad que le permitiría también desarrollar su trabajo.

Vincent lopintó todo en el asilo, esto nos da buena cuenta de su agudo ojo observador; los pasillos y corredores de San Pablo, los días normales de los pacientes y el personal, retratos de MadameTrabuc, el director del hospital o uno de los internos. Detalles que le llamaban la atención del lugar como los árboles y los jardines o una banca del asilo al atardecer.

De entre todos estos personajes, paisajes y detalles ninguno le llamaría más la atención que la vista que tenía desde la ventana de su cuarto. En una carta escrita a su hermano dice: “A través de los barrotes de acero puedo ver un campo cercano de trigo arriba del cual en la mañana veo al sol alzarse en toda su gloria”


Van Gogh pintó muchas versiones de este paisaje con el cielo, los campos de trigo y los olivos en distintos momentos del día o temporadas del año con lluvia con un radiante sol, mientras una pareja caminaba al atardecer o mientras mujeres recogían los frutos de los árboles y lo inquietaba particularmente la idea de pintar una versión nocturna. Le parecía fascínate captar la luz las actividades y el movimiento de los objetos en la noche una inquietud que ya había plasmado en anteriores cuadros.

El asunto es que el personal del hospicio no lo dejaba pintar en su cuarto, realmente esto no era tan malo, el personal del hospicio de hecho le asignó un espacio entero en el sótano del lugar para que Vincent lo usara como estudio; la única condición Nada de pinturas y oleos en su cuarto.

Lo que si podía hacer era pintar bocetos en tinta o carbón que después llevaba a su estudio para retocar o usar como base, así que la noche estrellada fue pintada en parte haciendo uso de sus bocetos y memoria en parte agregando detalles libres. Una combinación del paisaje que observaba por su ventana y su imaginación. Así plasmo el amplio cielo despejado las montañas y pastizales o los olivos en un gran primer plano.

Dominando el cuadro y la vista una inmensa noche en espirales una luna menguante y grandes estrellas, sin duda un paisaje intrigante e hipnótico que de inmediato captura la atención y sobre el que se han dicho múltiples cosas. Que si los olivos y la temática de las estrellas representan su pasado religioso, que si las espirales son muestra de su mente convulsa y atormentada, que si la pequeña villa es más bien un recuerdo del pueblo donde creció en Holanda.

Al leer sus cartas uno se da cuenta que Vincent era una persona sumamente pasional, por lo que si a mí me preguntan lo único que deseaba era pintar lo que sentía y le inquietaba en el momento, únicamente pensando en la mejor manera en que se podía ver y trazar su cuadro.

Algo que resulta curioso es que Van Gogh realmente no tuvo en tan alta estima la pintura. Lo cierto es que no podemos negar que es una pintura cautivadora y que tiene bien ganada su popularidad, lástima es que como bien sabemos todo ese reconocimiento no le llegaría a van Gogh en vida.

Tras su productivo periodo en San Pablo Vincent abandonó el asilo y se fue a un poblado al norte de París a cargo del médico Paul Gachet y cerca de su hermano Theo, su salud continuó deteriorándose sus ataques epilépticos cada vez eran más frecuentes y se acrecentaban las alucinaciones.

Finalmente se cree que Vincent se disparó a sí mismo en el pecho con un revólver, fallecería en julio de 1890 a los 37 años. Fueron unos diez intensos años que Vincent dedicó de lleno y de forma muy sincera a la pintura con más de dos mil cien trabajos en su haber.

Tras su muerte, bien sabemos que pasó con sus obras el mundo las descubrió se volvieron famosas y Van Gogh se convirtió en uno de los artistas más influyentes de la historia del arte moderno.


Hoy la noche estrellada se encuentra en el Museo de Arte Contemporáneo de Nueva York donde es contemplada por millones de personas que quieren echar un vistazo al cielo nocturno de Vincent después de todo alguna vez él escribió: En resumen, quiero llegar al punto en el que la gente diga de mi trabajo “ese hombre siente profundamente, ese hombre siente penetrantemente” a pesar de mi llamada tosquedad.

Espero hayan disfrutado saber un poco más sobre Van Gogh y la historia de la noche estrellada.

¿A ustedes qué les parece el cuadro?

¿Les gusta? ¿Qué les hace pensar o sentir?


Fuente de imágenes: 123.13.23.345